.
Takiej edycji płyty „TWET” Tomasza Stańki jeszcze nie było! Album został wznowiony przez Polskie Nagrania w ekskluzywnej reedycji kultowej serii Polish Jazz, znanej fanom polskiej muzyki jazzowej od lat 60. To pierwsze tak obszerne opracowanie w historii tej znakomitej płyty. Album, przy zachowaniu oryginalnej okładki, został wzbogacony obszerną, dwujęzyczną książeczką z tekstem Tomasza Tłuczkiewicza. Autorem odświeżonego brzmienia jest wybitny reżyser dźwięku - Jacek Gawłowski. TWET to czwarta płyta w dyskografii Tomasza Stańki. Trzecia studyjna i trzecia, na której jest liderem. Nagrana w kwietniu 1974 i wydana w tym samym roku przez Polskie Nagrania jako Nr 39 serii „Polish Jazz”. Afirmacja kreatywnego żywiołu wolności - free jazz sensu stricte. Dla wielu najlepsza płyta Stańki. Stańko: „To była prekursorska płyta, bez niej nie byłoby słynnej „Balladyny”, choć „Balladyna” była już napisana i zupełnie inna. Czegoś takiego jak „TWET” nie da się powtórzyć, taką płytę nagrywa się tylko raz.” Album dostępny jest również w wersji analogowej.
24h
Album zespołu Spisek Sześciu "Complot of Six" został wznowiony przez Polskie Nagrania w ekskluzywnej reedycji kultowej serii Polish Jazz, znanej fanom polskiej muzyki jazzowej od lat 60. Reedycję przygotowano z niezwykłą starannością, autorem odświeżonego brzmienia jest wybitny reżyser dźwięku - Jacek Gawłowski. Płyty zostały wytłoczone gramaturze 180. Płyta została nagrana w marcu 1975 roku - "w studiu na żywo", czyli tak jak na koncercie, wszystkie ścieżki na raz, od pierwszej sekundy do ostatniego taktu, bez studyjnych poprawek i nakładek. I wtedy i teraz to chyba najbardziej oryginalna i adekwatna w serii Polish Jazz i całej polskiej dyskografii odpowiedź na wyzwania jazzu wczesnych lat 70. Wiele się dzieje na tej płycie i nic nie dzieje się przypadkowo, więc trzeba jej słuchać uważnie. I wciąż warto, po ponad czterdziestu latach od jej nagrania. Świetna płyta! Warta ponownego odkrycia, jedyna płyta zespołu Spisek Sześciu. Lista utworów: Side A 1. Wizje (Na krawędzi, Pojedynek, Modlitwa) Side B 1. Amorphous 2. Pieprzem i solą / With Salt And Pepper 3. Epitaphium
24h
Album „Music for K” został wznowiony przez Polskie Nagrania w ekskluzywnej reedycji kultowej serii Polish Jazz, znanej fanom polskiej muzyki jazzowej od lat 60. To pierwsze tak obszerne opracowanie w historii tej znakomitej płyty. Album, przy zachowaniu oryginalnej okładki, został wzbogacony dwujęzyczną książeczką z tekstem Tomasza Tłuczkiewicza. Autorem odświeżonego brzmienia jest wybitny reżyser dźwięku - Jacek Gawłowski. Album „Music For K”, został nagrany w styczniu 1970 roku i wydany w tym samym roku pod numerem 22 w serii Polish Jazz, jest czwartą z sześciu z udziałem Tomasza Stańki, to jego w pełni autorska płyta. „Music for K”, to elegia na śmierć bandleadera, mistrza i przyjaciela - Krzysztofa Komedy. Jest to pierwsza z trzech płyt Kwintetu Tomasza Stańki, a tym samym jego płytowy debiut jako lidera. Był to jeden z najwspanialszych zespołów w historii jazzu w Polsce. Quintet wniósł znaczący wkład w rozwój nowoczesnej muzyki jazzowej w Europie, na jego czele Stańko dołączył do elity europejskiej awangardy jazzowej, w jego składzie debiutował na wielkiej scenie Zbigniew Seifert. Krytycy magazynu „Jazz Forum” w ankiecie na jubileusz 50-lecia pisma uznali „Music For K” za szósty, a słuchacze Programu II Polskiego Radia w plebiscycie z okazji II Międzynarodowego Dnia jazzu za ósmy, najlepszy polski album jazzowy wszechczasów. Świetna płyta! Warta ponownego odkrycia. Album dostępny jest również w wersji analogowej.
24h
Album „Music for K” został wznowiony przez Polskie Nagrania w ekskluzywnej reedycji kultowej serii Polish Jazz, znanej fanom polskiej muzyki jazzowej od lat 60. Reedycję przygotowano z niezwykłą starannością, autorem odświeżonego brzmienia jest wybitny reżyser dźwięku - Jacek Gawłowski. Płyty zostały wytłoczone gramaturze 180. Album „Music For K”, został nagrany w styczniu 1970 roku i wydany w tym samym roku pod numerem 22 w serii Polish Jazz, jest czwartą z sześciu z udziałem Tomasza Stańki, to jego w pełni autorska płyta. „Music for K”, to elegia na śmierć bandleadera, mistrza i przyjaciela - Krzysztofa Komedy. Jest to pierwsza z trzech płyt Kwintetu Tomasza Stańki, a tym samym jego płytowy debiut jako lidera. Był to jeden z najwspanialszych zespołów w historii jazzu w Polsce. Quintet wniósł znaczący wkład w rozwój nowoczesnej muzyki jazzowej w Europie, na jego czele Stańko dołączył do elity europejskiej awangardy jazzowej, w jego składzie debiutował na wielkiej scenie Zbigniew Seifert. Krytycy magazynu „Jazz Forum” w ankiecie na jubileusz 50-lecia pisma uznali „Music For K” za szósty, a słuchacze Programu II Polskiego Radia w plebiscycie z okazji II Międzynarodowego Dnia jazzu za ósmy, najlepszy polski album jazzowy wszechczasów. Świetna płyta! Warta ponownego odkrycia. Lista utworów: Side A 1. Czatownik 2. Nieskończenie mały 3. Cry Side B 4. Music for K 5. Temat / Czatownik
Obecnie brak na stanie
Lista utworów: A1->->Alusta->11:34 A2->->Daada->7:13 B1->->Bushka->5:51 B2->->Third Heavy Ballad->6:47 B3->->Ahuha->8:34 Tomasz Stańko
24h
Nina Simone Nowo odkryte nagranie legendy jazzu! Niezapomniany występ gwiazdy podczas Newport Jazz Festival w 1966 roku W ramach całorocznych obchodów 90. urodzin Niny Simone, Verve Records i UMe wydają "You've Got To Learn", nowo odkryte nagranie występu Niny podczas Newport Jazz Festival w 1966 roku. Premiera wydawnictwa zaplanowana jest na 21 lipca (Verve Records). 2 lipca 1966 roku podczas Newport Jazz Festival legendarna Nina Simone zaprezentowała na scenie set, składający się z sześciu utworów, który na ponad pół wieku pozostał w pamięci miłośników muzyki. Teraz świat może usłyszeć nieznane i niepublikowane wcześniej nagranie tego niezapomnianego koncertu. Wydawnictwo oddaje wiernie atmosferę występu Simone na festiwalu, ukazując jej niesamowity zakres wokalny i wyjątkową umiejętność nawiązywania kontaktu z publicznością. Słuchając nagrania, łatwo zrozumieć, dlaczego koncert stał się kultowym i wyjątkowym wydarzeniem w historii muzyki. Rozpoczynając od hipnotyzującego wykonania utworu „You've Got To Learn”, Simone zaprezentowała swój kunszt wokalny, wykonując min. elektryzujące i swingujące „Mississippi Goddam”. Publiczność, nie chcąc pozwolić jej opuścić sceny, zgotowała jej owację na stojąco i została nagrodzona niezapomnianym bisem – „Music For Lovers”. Eseje do albumu zostały stworzone przez Shanę L. Redmond, szanowaną autorkę i badaczkę, która obszernie napisała o życiu i dziedzictwie Simone. Jej notatki stanowią cenny kontekst dla występu i pomagają słuchaczom zrozumieć historyczne znaczenie muzyki Simone. Wydanie niniejszego albumu to doniosłe wydarzenie dla melomanów i fanów Niny Simone na całym świecie. To rzadka okazja, by doświadczyć magii występów jednej z najwybitniejszych wokalistek XX wieku. Lista utworów: 1. You’ve Got To Learn 2. I Loves You, Porgy 3. Blues For Mama 4. Be My Husband 5. Mississippi Goddam 6. Music For Lovers
24h
„Adam’s Apple” to pierwsza symfoniczna płyta Mateusza Smoczyńskiego – skrzypka, solisty i kompozytora, współzałożyciela Atom String Quartet, na której znajdziemy dwa koncerty skrzypcowe: „Koncert jazzowy na skrzypce, orkiestrę symfoniczną oraz grupę rytmiczną” Zbigniewa Seiferta i koncert na improwizujące skrzypce „Adam’s Apple" skomponowany przez Mateusza Smoczyńskiego. Obydwa koncerty to premiery fonograficzne. Album wydany jest na nośniku Super Audio CD/Hybryd, co oznacza, że można go odtwarzać we wszystkich odtwarzaczach CD oraz SACD. Wybór nośnika pozwala na odsłuch dźwięku w wysokiej jakości: częstotliwość próbkowania strumienia danych DSD wykorzystywanego na płytach SACD jest 64 razy wyższa niż na płycie audio CD i wynosi 2,824MHz. „Koncert jazzowy” Seiferta, to dla fanów jazzu niemała sensacja! Nigdy dotąd nie był wydany na żadnym nośniku i po 50 latach doczekał się międzynarodowej premiery fonograficznej. Mateusz Smoczyński zaprosił do wspólnego wykonania tej energetycznej kompozycji polskich mistrzów improwizacji jazzowej: Dominika Wanię, Sławomira Kurkiewicza i Michała Miśkiewicza. Koncert skrzypcowy „Adam's Apple" Mateusza Smoczyńskiego powstał z jego fascynacji twórczością kompozytorów muzyki poważnej takich jak Karol Szymanowski, Dymitr Szostakowicz, Béla Bartók i György Ligeti oraz jazzowej, którzy przez lata wywarli na niego ogromny wpływ: Zbigniew Seifert, John Coltrane, Wayne Shorter oraz David Balakrishnan (z Turtle Island Quartet). Stylistycznie koncert najbardziej nawiązuje do najświeższej inspiracji Mateusza – muzyki amerykańskiego kompozytora Johna Adamsa. „Jabłko Adama” nasuwa też biblijne skojarzenia z historią Adama i Ewy oraz konsekwencjami zjedzenia przez nich zakazanego owocu, co odzwierciedla w swej dramaturgii muzyka. Wykonanie kusi niezwykłą, pastelową barwą barytonowych skrzypiec, pięknem melodyki z nutą minimalizmu, impresjonistycznej sonorystyki, elementami bluegrassu i jazzowych, wirtuozowskich improwizacji. Album „Adam’s Apple” został nagrany z towarzyszeniem Chopin University Chamber Orchestra pod dyrekcją Rafała Janiaka. Jak mówi Artysta: „Od początku mojej muzycznej kariery jestem przez wielu krytyków uznawany za kontynuatora drogi wytyczonej przez Zbigniewa Seiferta. Mimo mojej ogromnej fascynacji jego grą, komponując „Adam's Apple” chciałem pójść w zupełnie innym kierunku i pokazać, na jak odmiennym muzycznym biegunie obecnie jestem". Dwa bieguny, jedna płyta: „Adam’s Apple” Lista utworów: Mateusz Smoczyński Adam’s Apple Concerto for violin and orchestra (2018) 1. Genesis (5:02) 2. Eden (8:34) 3. Temptation (5:14) 4. Cadenza (2:48) 5. Apocalypse (7:04) Zbigniew Seifert (1946–1979) Jazz Concerto for violin, rhythm section, and symphony orchestra (1974) 6. Rubato - Tempo - Ad Libitum - Fast Tempo 1 (9:18) 7. Rubato - Tempo (2:43) 8. Solos - Ad Libitum (5:40) 9. Rubato (2:24) Artists: Mateusz Smoczyński – violin, baritone violin Chopin University Chamber Orchestra Rafał Janiak – conductor Dominik Wania – piano 6–9 Sławomir Kurkiewicz – bass 6–9 Michał Miśkiewicz – drums 6–9
24h
„Adam’s Apple” to pierwsza symfoniczna płyta Mateusza Smoczyńskiego – skrzypka, solisty i kompozytora, współzałożyciela Atom String Quartet, na której znajdziemy dwa koncerty skrzypcowe: „Koncert jazzowy na skrzypce, orkiestrę symfoniczną oraz grupę rytmiczną” Zbigniewa Seiferta i koncert na improwizujące skrzypce „Adam’s Apple" skomponowany przez Mateusza Smoczyńskiego. Obydwa koncerty to premiery fonograficzne. Dla miłośników winyla album ukazuje się w wersji na białym winylu o gramaturze 180. „Koncert jazzowy” Seiferta, to dla fanów jazzu niemała sensacja! Nigdy dotąd nie był wydany na żadnym nośniku i po 50 latach doczekał się międzynarodowej premiery fonograficznej. Mateusz Smoczyński zaprosił do wspólnego wykonania tej energetycznej kompozycji polskich mistrzów improwizacji jazzowej: Dominika Wanię, Sławomira Kurkiewicza i Michała Miśkiewicza. Koncert skrzypcowy „Adam's Apple" Mateusza Smoczyńskiego powstał z jego fascynacji twórczością kompozytorów muzyki poważnej takich jak Karol Szymanowski, Dymitr Szostakowicz, Béla Bartók i György Ligeti oraz jazzowej, którzy przez lata wywarli na niego ogromny wpływ: Zbigniew Seifert, John Coltrane, Wayne Shorter oraz David Balakrishnan (z Turtle Island Quartet). Stylistycznie koncert najbardziej nawiązuje do najświeższej inspiracji Mateusza – muzyki amerykańskiego kompozytora Johna Adamsa. „Jabłko Adama” nasuwa też biblijne skojarzenia z historią Adama i Ewy oraz konsekwencjami zjedzenia przez nich zakazanego owocu, co odzwierciedla w swej dramaturgii muzyka. Wykonanie kusi niezwykłą, pastelową barwą barytonowych skrzypiec, pięknem melodyki z nutą minimalizmu, impresjonistycznej sonorystyki, elementami bluegrassu i jazzowych, wirtuozowskich improwizacji. Album „Adam’s Apple” został nagrany z towarzyszeniem Chopin University Chamber Orchestra pod dyrekcją Rafała Janiaka. Jak mówi Artysta: „Od początku mojej muzycznej kariery jestem przez wielu krytyków uznawany za kontynuatora drogi wytyczonej przez Zbigniewa Seiferta. Mimo mojej ogromnej fascynacji jego grą, komponując „Adam's Apple” chciałem pójść w zupełnie innym kierunku i pokazać, na jak odmiennym muzycznym biegunie obecnie jestem". Dwa bieguny, jedna płyta: „Adam’s Apple”. Lista utworów: Side A Mateusz Smoczyński Adam’s Apple Concerto for violin and orchestra (2018) 1. Genesis (5:02) 2. Eden (8:34) 3. Temptation (5:14) 4. Apocalypse (7:04) Side B Zbigniew Seifert (1946–1979) Jazz Concerto for violin, rhythm section, and symphony orchestra (1974) 1. Rubato - Tempo - Ad Libitum - Fast Tempo 1 (9:18) 2. Rubato - Tempo (2:43) 3. Solos - Ad Libitum (5:40) 4. Rubato (2:24) Mateusz Smoczyński Adam’s Apple Concerto for violin and orchestra (2018) 5. Cadenza (2:48) Artists: Mateusz Smoczyński – violin, baritone violin Chopin University Chamber Orchestra Rafał Janiak – conductor Dominik Wania – piano 6–9 Sławomir Kurkiewicz – bass 6–9 Michał Miśkiewicz – drums 6–9
24h
Ghost Song wydany przez Nonesuch Records to debiut wokalistki / autorki tekstów Cécile McLorin Salvant. Ghost Song to zróżnicowana mieszanka siedmiu oryginałów i pięciu interpretacji na temat duchów, nostalgii i tęsknoty. Cécile McLorin Salvant, stypendystka MacArthura 2020 i trzykrotna laureatka nagrody Grammy, jest wokalistką i kompozytorką wnoszącą historyczną perspektywę, odnowione poczucie dramatyzmu i oświecone muzyczne zrozumienie zarówno do standardów jazzowych, jak i własnych oryginalnych kompozycji. Wykształcona klasycznie, zanurzona w jazzie, bluesie i folku, czerpiąca z teatru muzycznego i wodewilu, Salvant korzysta z szerokiego repertuaru, który poszerza możliwości występów na żywo. Występy Salvant sięgają od wolnych duetów na głos i fortepian, przez tria instrumentalne, po zespoły orkiestrowe. Lista utworów: 1. Wuthering Heights 2. Optimistic Voices / No Love Dying 3. Ghost Song 4. Obligation 5. Until 6. I Lost My Mind 7. Moon Song 8. Trail Mix 9. The World Is Mean 10. Dead Poplar 11. Thunderclouds 12. Unquiet Grave
24h
Cécile McLorin Salvant to amerykańska wokalistka jazzowa. W 2010 roku została laureatką pierwszej nagrody Thelonious Monk International Jazz Competition, a wkrótce potem wydała swój pierwszy album, Cécile. Jej drugi album, Woman Child, ukazał się w 2013 roku i rok później został nominowany do nagrody Grammy za najlepszy jazzowy album wokalny. Salvant wygrała cztery kategorie w 2014 DownBeat Critics' Poll: jazzowy album roku, żeńska wokalistka, wschodząca gwiazda jazzu i wschodząca gwiazda żeńskiej wokalistyki. Jej trzeci album, 2015's For One to Love, otrzymał wielkie uznanie krytyków z The New York Times, The Guardian i Los Angeles Times. Przyniósł jej nagrodę Grammy za najlepszy jazzowy album wokalny w 2016. Większość utworów zawartych na nowej płycie amerykańska wokalistka jazzowa śpiewa po francusku. Wśród nich jest pięć oryginalnych kompozycji i dziewięć reinterpretacji. Lista utworów: 1. Est-ce ainsi que les hommes vivent? 2. La route enchantée 3. Il m'a vue nue 4. Dites moi que je suis belle 5. Doudou 6. Petite musique terrienne 7. Aida 8. Mélusine 9. Wedo 10. D'un feu secret 11. Le temps est assassin 12. Fenestra 13. Domna N'Almucs 14. Dame Iseut
24h
Ghost Song wydany przez Nonesuch Records to debiut wokalistki / autorki tekstów Cécile McLorin Salvant. Ghost Song to zróżnicowana mieszanka siedmiu oryginałów i pięciu interpretacji na temat duchów, nostalgii i tęsknoty. Cécile McLorin Salvant, stypendystka MacArthura 2020 i trzykrotna laureatka nagrody Grammy, jest wokalistką i kompozytorką wnoszącą historyczną perspektywę, odnowione poczucie dramatyzmu i oświecone muzyczne zrozumienie zarówno do standardów jazzowych, jak i własnych oryginalnych kompozycji. Wykształcona klasycznie, zanurzona w jazzie, bluesie i folku, czerpiąca z teatru muzycznego i wodewilu, Salvant korzysta z szerokiego repertuaru, który poszerza możliwości występów na żywo. Występy Salvant sięgają od wolnych duetów na głos i fortepian, przez tria instrumentalne, po zespoły orkiestrowe.
24h
Tytuł „Memento” należy rozumieć jako „Pamiątka”. Nawiązuje do doświadczeń artystycznych wynikłych z obcowania z ekspresją artystów europejskich zapraszanych do współpracy z zespołem. To wspomnienie drogi od wydania płyty „Aura”, poprzez wydawnictwa z udziałem Evana Parkera i Trevora Wattsa, a także Verneriego Pohjoli i Samuela Blasera. Szczególnie ważny był także dwuletni okres współpracy z Tomaszem Stańką, co znalazło swój ślad na płycie. „ „Memento” jest pamiątką po tym, jakie RGG było kiedyś, a każdy krok przed siebie zapisuje zupełnie nowy rozdział w artystycznej drodze tej formacji” – mówi kontrabasista Maciej Garbowski. „Muzyka RGG wymyka się klasyfikacjom, bo członkowie zespołu unikają głównego nurtu, łatwych rozwiązań i oczywistego repertuaru. Łukasz Ojdana, Maciej Garbowski i Krzysztof Gradziuk z niespotykaną konsekwencją i uporem tworzą własną wizję przestrzeni muzycznej, która w oczywisty sposób przekracza granice jazzu. I łączy odległe stylistyki, konwencje i tradycje, dla których wspólnym mianownikiem są osobowości wykonawców. To jest płyta, która zaprasza do innego przeżywania czasu muzycznego, bez konieczności jakiegoś szczególnego erudycyjnego przygotowania, także gdy idzie o jazz. Cała reszta zależy od nas. Zapewniam, jest tu wiele chwil, które po wysłuchaniu zapadną głęboko w pamięć”.- Tomasz Szachowski Lista utworów: Side A 1. Tenderness 2. Elleve 3. Szeroka woda 4. Chronology 5. Monachium Side B 1. Hombre Con Sombrero 2. Ellipsis 3. Furiant 4. Three Pieces In Old Style I 5. Gloria Tibi Domine
24h
„Album RGG „Memento” wydany został w kultowej serii „Polish Jazz” pod numerem 81. Tytuł „Memento” należy rozumieć jako „Pamiątka”. Nawiązuje do doświadczeń artystycznych wynikłych z obcowania z ekspresją artystów europejskich zapraszanych do współpracy z zespołem. To wspomnienie drogi od wydania płyty „Aura”. „Memento jest pamiątką po tym, jakie RGG było kiedyś, a każdy krok przed siebie zapisuje zupełnie nowy rozdział w artystycznej drodze tej formacji” – mówi kontrabasista Maciej Garbowski. RGG to trio perfekcjonistów, którzy pojedynczy dźwięk, sposób jego wydobycia i jego kontekst brzmieniowy, traktują jako wartość samą w sobie. Muzyka RGG wymyka się klasyfikacjom, bo członkowie zespołu unikają głównego nurtu, łatwych rozwiązań i oczywistego repertuaru. Łukasz Ojdana, Maciej Garbowski i Krzysztof Gradziuk z niespotykaną konsekwencją i uporem tworzą własną wizję przestrzeni muzycznej, która w oczywisty sposób przekracza granice jazzu. Ale przecież RGG to zespół jazzowy, a jazz to, w ogromnym skrócie: improwizacja + timing + interakcja. I każdy z tych elementów jest na płycie obecny, choć niekiedy w wymiarze ograniczonym, by nie rzec ascetycznym. Muzycy nie rzucają na szalę wszystkich atutów, nie biorą udziału w jazzowych wyścigach, oczekując od nas, słuchaczy, że całą resztę dopowiemy bądź zinterpretujemy sami. Na tym polega m.in. wartość tej płyty, która nawiązuje, sugeruje, inspiruje i podpowiada, pozostawiając resztę odbiorcom. To album, który zaprasza do innego przeżywania czasu muzycznego, bez konieczności szczególnego erudycyjnego przygotowania, także gdy idzie o jazz. Cała reszta zależy od nas. Zapewniam, jest tu wiele chwil, które po wysłuchaniu zapadną głęboko w pamięć.”- Tomasz Szachowski. Lista utworów: 1. Tenderness 2. Chronology 3. Elleve 4. Monachium 5. Versus 6. Ellipsis 7. Hombre con Sombrero 8. Furiant 9. We śnie 10. Szeroka woda 11. Three Pieces in Old Style I 12. Gloria Tibi Domine
Obecnie brak na stanie
Członkowie legendarnego, oryginalnego kwartetu ‘Joshua Redman Quartet’ z lat dziewięćdziesiątych - Redman (saksofon), Brad Mehldau (fortepian), Christian McBride (bas) i Brian Blade (perkusja) - zjednoczyli się ponownie po dwudziestu sześciu latach na wydanym w 2020 roku RoundAgain. Teraz powracają z LongGone, zawierającym sześć oryginalnych utworów Redmana, wydanym przez Nonesuch Records. Lista utworów: 1. Long Gone 2. Disco Ears 3. Statuesque 4. Kite Song 5. Ship To Shore 6. Rejoice
24h
Wspaniały fragment ogromnego dorobku jednej z najważniejszych postaci światowego jazzu, francuskiego skrzypka Jean-Luca Ponty'ego, który współpracował z takimi gigantami jak Frank Zappa, czy Mahavishnu Orchestra. W boxie z cyklu "Original Album Series" znalazło się pięć płyt genialnego Francuza, które zarejestrował w latach 1975-78 dla wytwórni Atlantic. Wszystkie utrzymane są w stylu fusion. Do kartoników z replikami oryginalnych okładek włożono studyjne płyty "Upon The Wings Of Music", "Aurora", "Imaginary Voyage", "Enigmatic Ocean" (numer jeden na liście jazzowych krążków "Billboardu") oraz "Cosmic Messenger". Wśród muzyków, którzy pojawili się na wymienionych albumach, są między innymi znany z megahitu "Ghostbusters" Ray Parker Jr., znakomity gitarzysta Daryl Stuermer (m.in. Phil Collins), Allan Holdsworth, genialny perkusista Steve Smith. Niepowtarzalna okazja poznania klasyki fusion.
Obecnie brak na stanie
Lista utworów: Side A: 1. My Friend John (Alternate A) 2. Tin Tin Deo Side B: 1. Stardust (Alternate A) 2. In A Mellow Tone (Take 2)
24h
Legendarne jazzowe płyty w oryginalnych japońskich opakowaniach.
Obecnie brak na stanie
„Critique Of Swing In Two Parts” czyli czwarty album solowy Pianohooligana to zarazem analityczne i pełne ciepła spojrzenie na zjawisko muzyczne, pozostające jednym z fundamentów twórczej myśli artysty. Mowa o swingu – podstawie jazzu i nieodłącznym elemencie kultur pierwotnych. Wariacyjna forma dyptyku Piotra Orzechowskiego zadaje pytanie o rolę i nieuchwytną naturę swingu, kwestionując jego dotychczasowe, potoczne znaczenie. Po przeszło sześciu latach od pianistycznej trylogii wydawniczej dla Decca Classics (Experiment: Penderecki, 15 Studies For The Oberek i 24 Preludes & Improvisations) pianista wraca z wyjątkowo zagadkowym krążkiem. Podzielona na dwie ścieżki Krytyka swingu konsekwentnie kontynuuje oś unikalnych, „dźwiękowych manifestów” Pianohooligana, lecz tym razem zaskakuje oszczędnością formy i bardzo osobistym, frapującym brzmieniem. Jak pisze Piotr Metz w liner notes albumu: "Pianohooligan poszukał intuicyjnego, naturalnego, uniwersalnego pierwiastka, który jest wszędzie. Autentyczny, niezaplanowany, ludzki element, który pozwala na zupełnie inny, niejako metafizyczny sposób przeżywania muzyki. W czasach niezliczonych połączeń międzygatunkowych, Orzechowski sięga po jakość wspólną, podstawową." Album „Critique Of Swing In Two Parts” powstał w koprodukcji z Narodowym Centrum Kultury. Partnerami projektu są: Pogram 2 Polskiego Radia oraz Jazz Forum. Od głośnego zwycięstwa na szwajcarskim Montreux Jazz Solo Piano Competition 2011, Piotr Orzechowski, znany też jako Pianohooligan, pozostaje jednym z najbardziej ekscytujących polskich pianistów-improwizatorów. Bezkompromisowy dekonstruktor twórczości Krzysztofa Pendereckiego, artystyczny partner Narodowej Orkiestry Symfonicznej Polskiego Radia, Sinfonii Varsovii, czy gwiazd światowego jazzu jak Randy Brecker, Avishai Cohen czy Carlos Zíngaro, oraz wielkich osobowości muzyki elektronicznej, by wymienić tylko Adriana Utleya z Portishead i Williama Basinskiego – koncentruje się jednak przede wszystkim na autorskiej twórczości solowej, która wymyka się prostym gatunkowym podziałom. Orzechowski jest autorem uznanych pionierskich przedsięwzięć wydawniczych, jak m.in. „Dziady” (2019, Anaklasis/PWM) na kwartet jazzowy z plejadą gigantów muzyki ambientowej, monumentalnego dzieła solowego „24 Preludes & Improvisations” (2017, Decca Classics) nawiązującego formą do DWK J.S. Bacha, czy radykalnego „Experiment: Penderecki” (2012, Decca Classics) powstałego we współpracy z samym kompozytorem, dającego skuteczny asumpt do artystycznego dialogu między światem jazzu i muzyki nowej. Laureat nagrody „O!Lśnienia” Onetu, regularnie wyróżniany przez Gazetę Wyborczą, Rzeczpospolitą, Jazz Forum czy RadioJAZZ.FM, wielokrotnie nominowany do nagrody „Fryderyk” i „Koryfeusz Muzyki Polskiej”. Lista utworów: 1. One 2. Two
24h
„Fragile Ego” to trzecia płyta zespołu Kasia Pietrzko Trio. Album został wydany w serii Polish Jazz. Kasia Pietrzko jest pierwszą pianistką, kompozytorką i liderką w historii tej najstarszej jazzowej serii płytowej, która wydawana jest od 58 lat. Kasia Pietrzko wraz ze swoim trio debiutowała w 2017 roku z ogromnym sukcesem otrzymując: Mateusza Trójki, nominację do Fryderyka oraz Grand Prix Jazz Melomani. Album „Fragile Ego” łączy w sobie z impresjonizm i silną ekspresję. Kobieca energia artystki w fascynujący sposób wpłynęła na siłę jej nowych kompozycji: ich wielowarstwowość, wielowątkowość i wielostylowość. Improwizacja Kasi Pietrzko stała się zaczepna, odważna, z mocnym przekazem, pozostając przy tym silnie melodyjną. Płyta "Fragile Ego" to efekt wykorzystania pełnego potencjału muzyków zespołu, który Kasia Pietrzko tworzy wraz z perkusistą Piotrem Budniakiem i kontrabasistą Andrzejem Święsem. Kompozytorka, by uzyskać obfite brzmienie, nie dodaje kolejnego głosu, a eksponuje możliwości każdego członka zespołu. Myślenie orkiestrowe podczas instrumentacji zostaje przełożone na trio, które nie zostaje sprowadzone do roli bezbarwnego akompaniamentu dla fortepianu. „Najważniejszy jest dla mnie słuchacz – mówi Kasia Pietrzko - człowiek, który wierzy w to, co robię i sprawia mu to satysfakcję albo ukojenie. Na koncertach opowiadam o swoich słabościach, supermocach i rzeczach, które się we mnie cały czas kotłują. To, że ktoś przyjdzie i tego wysłucha - to jest czad.” Lista utworów: 1. Shiny Spirit 2. Blue, Deep and Wide 3. Foggy Dreams 4. Widow (feat. Klara Cloud) 5. Cloudy Sky 6. CHLS 7. Blending Reality
24h
Edycja winylowa albumu „Fragile Ego” Kasia Pietrzko Trio, wydana na kolorowym, szafirowym winylu. To trzecia płyta zespołu Kasia Pietrzko Trio. Album został wydany w serii Polish Jazz. Kasia Pietrzko jest pierwszą pianistką, kompozytorką i liderką w historii tej najstarszej jazzowej serii płytowej, która wydawana jest od 58 lat. Kasia Pietrzko wraz ze swoim trio debiutowała w 2017 roku z ogromnym sukcesem otrzymując: Mateusza Trójki, nominację do Fryderyka oraz Grand Prix Jazz Melomani. Album „Fragile Ego” łączy w sobie z impresjonizm i silną ekspresję. Kobieca energia artystki w fascynujący sposób wpłynęła na siłę jej nowych kompozycji: ich wielowarstwowość, wielowątkowość i wielostylowość. Improwizacja Kasi Pietrzko stała się zaczepna, odważna, z mocnym przekazem, pozostając przy tym silnie melodyjną. Płyta "Fragile Ego" to efekt wykorzystania pełnego potencjału muzyków zespołu, który Kasia Pietrzko tworzy wraz z perkusistą Piotrem Budniakiem i kontrabasistą Andrzejem Święsem. Kompozytorka, by uzyskać obfite brzmienie, nie dodaje kolejnego głosu, a eksponuje możliwości każdego członka zespołu. Myślenie orkiestrowe podczas instrumentacji zostaje przełożone na trio, które nie zostaje sprowadzone do roli bezbarwnego akompaniamentu dla fortepianu. „Najważniejszy jest dla mnie słuchacz – mówi Kasia Pietrzko - człowiek, który wierzy w to, co robię i sprawia mu to satysfakcję albo ukojenie. Na koncertach opowiadam o swoich słabościach, supermocach i rzeczach, które się we mnie cały czas kotłują. To, że ktoś przyjdzie i tego wysłucha - to jest czad.” Lista utworów: 1. Shiny Spirit 2. Blue, Deep and Wide 3. Foggy Dreams 4. Widow (feat. Klara Cloud) 5. Cloudy Sky 6. CHLS 7. Blending Reality
Obecnie brak na stanie
Nowy album Zbigniewa Namysłowskiego "Polish Jazz – YES!" ukazuje się w 77. rocznicę urodzin sakosfonisty i w imponujący sposób demonstruje jego niesłabnącą kreatywność i potencjał twórczy. Tytuł albumu to manifest i ostateczna deklaracja. Namysłowski określa "polish jazz" jako "to wszystko, co grają polscy muzycy", bez wskazywania na rodzimy folklor, który był dla niego tylko jedną z inspiracji. "Osiem nowych utworów nawiązuje pośrednio do ludowych źródeł, które stają się punktem wyjścia do metrycznej i tonalnej, w pełni autorskiej obróbki. Fenomen albumu polega na tym, że mimo złożonych i wyrafinowanych środków, mimo zapewne potężnej pracy nad przygotowaniem programu, utwory Namysłowskiego brzmią soczyście, toczą się wartko, z wyraźnym tanecznym pulsem, z nieodzowną dawką humoru. To jedna z najlepszych płyt w jego dorobku!" "Polish Jazz" to jednocześnie hasło symbolizujące najważniejszą jazzową serię w historii polskiej fonografii. "Polish Jazz – YES!" kontynuuje serię z numerem 77. W odróżnieniu do wersji albumu na CD winyl zawiera osiem utworów (bez Abra-besqua). W składzie kwintetu znaleźli się: Zbigniew Namysłowski * alto, soprano & sopranino saxes, Jacek Namysłowski * trombone, Sławek Jaskułke * piano, Paweł Puszczało * bass (1, 3, 7, 8, 9), Andrzej Święs * bass (2, 4, 5, 6), Grzegorz Grzyb * drums Lista utworów: Side A 1. Jadąc Zakopianką 2. Świr na lewo, świr na prawo 3. Poseł Mazur 4. Chór z gór Side B 1. Ober-Meister (Mistrz oberka) 2. Nie o'krzesany 3. Ślepa komenda 4. Jako tako
Obecnie brak na stanie
Album „Heart” Tria Włodzimierza Nahornego, został wznowiony przez Polskie Nagrania w ekskluzywnej reedycji kultowej serii Polish Jazz, znanej fanom polskiej muzyki jazzowej od lat 60. To pierwsze tak obszerne opracowanie w historii tej znakomitej płyty. Album, przy zachowaniu oryginalnej okładki, został wzbogacony dwujęzyczną książeczką z tekstem Tomasza Szachowskiego. Autorem odświeżonego brzmienia jest wybitny reżyser dźwięku - Jacek Gawłowski. Płyta została nagrana w 1967 roku, i wydana w serii Polish Jazz pod numerem 15. Nahornemu na płycie towarzyszą: na kontrabasie Jacek Ostaszewski, oraz Sergiusz Perkowski na perkusji. „Nahorny, saksofonista z powołania i wyboru, rozpoczyna i kończy fortepianem. Charakter tego obramowania świadczy o sentymencie do tradycji jazzowej i ludowej. Jednakże to, co owe ramy ujmują dowodzi, iż właściwym żywiołem Nahornego jest dźwięk, jego siła, plastyczność, ważkość, kolor, wyraz. Dźwięk wyizolowany i dźwięk w kontekście rzeczywistości szmerowej otaczającej nas na co dzień. Dźwięk w kontekście jazzu i jazz w kontekście dźwięku. Sposób w jaki płyta została nagrana, jest równie niezwykły jak i jej treść. Nahorny uległ tu pokusie znanej chyba wszystkim artystom: pokusie jednorazowej, natychmiastowej i doskonałej kreacji. Przyniósł do studia tematy całkiem nowe („Jak dla kogo”, „List pedanta” i obydwa utwory fortepianowe), nie znane jeszcze partnerom i postanowił je nagrać bez próby, za pierwszym razem. Chodziło o silniejsze pobudzenie wyobraźni grających, o efekt świeżości, o pewnego rodzaju grę, hazard, test muzykalności. Chodziło także o coś więcej — o pewną prawdę muzyczną, która w jazzie znajduje najsilniejsze poparcie, mianowicie o stwierdzenie niepowtarzalności i jednorazowości każdego zdarzenia muzycznego.” Adam Sławiński Album dostępny jest również w wersji analogowej.
24h
Album „Heart” Tria Włodzimierza Nahornego został wznowiony przez Polskie Nagrania w ekskluzywnej reedycji kultowej serii Polish Jazz, znanej fanom polskiej muzyki jazzowej od lat 60. Reedycję przygotowano z niezwykłą starannością, autorem odświeżonego brzmienia jest wybitny reżyser dźwięku - Jacek Gawłowski. Płyty zostały wytłoczone gramaturze 180. Płyta została nagrana w 1967 roku, i wydana w serii Polish Jazz pod numerem 15. Nahornemu na płycie towarzyszą: na kontrabasie Jacek Ostaszewski, oraz Sergiusz Perkowski na perkusji. „Nahorny, saksofonista z powołania i wyboru, rozpoczyna i kończy fortepianem. Charakter tego obramowania świadczy o sentymencie do tradycji jazzowej i ludowej. Jednakże to, co owe ramy ujmują dowodzi, iż właściwym żywiołem Nahornego jest dźwięk, jego siła, plastyczność, ważkość, kolor, wyraz. Dźwięk wyizolowany i dźwięk w kontekście rzeczywistości szmerowej otaczającej nas na co dzień. Dźwięk w kontekście jazzu i jazz w kontekście dźwięku. Sposób w jaki płyta została nagrana, jest równie niezwykły jak i jej treść. Nahorny uległ tu pokusie znanej chyba wszystkim artystom: pokusie jednorazowej, natychmiastowej i doskonałej kreacji. Przyniósł do studia tematy całkiem nowe („Jak dla kogo”, „List pedanta” i obydwa utwory fortepianowe), nie znane jeszcze partnerom i postanowił je nagrać bez próby, za pierwszym razem. Chodziło o silniejsze pobudzenie wyobraźni grających, o efekt świeżości, o pewnego rodzaju grę, hazard, test muzykalności. Chodziło także o coś więcej — o pewną prawdę muzyczną, która w jazzie znajduje najsilniejsze poparcie, mianowicie o stwierdzenie niepowtarzalności i jednorazowości każdego zdarzenia muzycznego.” Adam Sławiński Lista utworów: Strona A 1. Ballada o dwóch serduszkach 2. Miesiąc dobroci 3. Serce Muniaka 4. Przecieki Strona B 5. Przy kasie 6. Jak dla kogo 7. List pedanta 8. Na wysokiej cyrli
24h
Limitowana edycja legendarnego albumu Zbigniewa Namysłowskiego „Winobranie” (SACD Hybrid) wydana w limitowanym nakładzie, w cyklu „Polskie Nagrania catalogue selections”. Jest to pierwsza w Polsce edycja tej płyty zrealizowana w formacie SACD (Super Audio Compact Disc). Winobranie jest jedną z najważniejszych płyt w historii polskiego jazzu. Niewiele albumów w historii jazzu ma taki status, jak Winobranie Zbigniewa Namysłowskiego. W Kwintecie obok lidera usłyszymy Tomasza Szukalskiego, Kazimierza Jonkisza Stanisława Cieślaka i Pawła Jarzębskiego. Pierwszy raz w Polsce klasyka polskiej muzyki rozrywkowej ukazuje się na nośniku SACD. Cykl zawiera najważniejsze płyty z katalogu Polskich Nagrań, które zostały na nowo zremasterowane i wydane z niespotykaną dotąd starannością w formacie SACD. Wybór tego formatu jest ukłonem w stronę audiofilów. Reedycja najważniejszych płyt w formacie SACD, ze względu na dostępność archiwów Polskich Nagrań w postaci analogowych taśm matek, jest naturalnym wyborem umożliwiającym najdoskonalsze zbliżenie się albumów do analogowego oryginału wynosząc je na niespotykany dotąd na polskim rynku muzycznym poziom. W celu zapewnienia pełnej zgodności ze standardowymi odtwarzaczami płyt CD, niniejszy seria SACD została wykonana jako hybrydowa i zawiera dodatkową warstwę danych w formacie CD Audio, czytaną przez wszystkie odtwarzacze CD. Częstotliwość próbkowania strumienia danych DSD wykorzystywanego na płytach SACD jest 64 razy wyższa niż na płycie audio CD i wynosi 2,824MHz. 1. Winobranie wine feast Jak nie ma szmalu to jest łaź no dough, no kicks 2. Nie mniej niż 5% not less than five per cent 3. Gogoszary 4. Pierwsza przymiarka First Take Ballada na grzędzie Ballad on the Roost Misie Teddy Bears 5. Taj Mahal Winobranie Wine Feast
24h