Legendarne jazzowe płyty w oryginalnych japońskich opakowaniach.

Płyta zespołu Michała Urbaniaka "Constellation in Concert" została zarejestrowana podczas koncertu w Filharmonii Narodowej w Warszawie w maju 1973 roku i wydana tego samego roku z numerem 36 w serii Polish Jazz. To drugi i ostatni album Urbaniaka w tej serii. "Constellation In Concert". Jest to płyta wyjątkowa, zarówno od strony zaprezentowanych kompozycji, składu instrumentalistów (m.in. dwóch wybitnych polskich keyboardzistów: Adama Makowicza i Wojciecha Karolaka) oraz brzmienia. "Constellation: In Concert" to jedna z tych płyt, o których powiedzieć można, iż wyprzedzały swój czas. Stąd bierze się jej dzisiejsza aktualność. To, co najbardziej wyróżnia Constellation, to duet jego głównych solistów – śpiewu i skrzypiec. Dudziak i Urbaniak - trudno o lepiej dobraną parę, skrzypce Michała i głos Uli pod względem skali i ruchliwości nie mają sobie równych poza sobą nawzajem. Świetnie brzmią razem unisono, a jeszcze lepiej w dialogach. Ta płyta to kulminacja niezwykle kreatywnego okresu w historii tego zespołu i jego członków. Album został wydany przez Polskie Nagrania w ekskluzywnej reedycji kultowej serii Polish Jazz, znanej fanom polskiej muzyki jazzowej od lat 60. Płyta dostępna jest na CD i LP.

Płyta zespołu Michała Urbaniaka "Constellation in Concert" została zarejestrowana podczas koncertu w Filharmonii Narodowej w Warszawie w maju 1973 roku i wydana tego samego roku z numerem 36 w serii Polish Jazz. To drugi i ostatni album Urbaniaka w tej serii. "Constellation In Concert". Jest to płyta wyjątkowa, zarówno od strony zaprezentowanych kompozycji, składu instrumentalistów (m.in. dwóch wybitnych polskich keyboardzistów: Adama Makowicza i Wojciecha Karolaka) oraz brzmienia. "Constellation: In Concert" to jedna z tych płyt, o których powiedzieć można, iż wyprzedzały swój czas. Stąd bierze się jej dzisiejsza aktualność. To, co najbardziej wyróżnia Constellation, to duet jego głównych solistów – śpiewu i skrzypiec. Dudziak i Urbaniak - trudno o lepiej dobraną parę, skrzypce Michała i głos Uli pod względem skali i ruchliwości nie mają sobie równych poza sobą nawzajem. Świetnie brzmią razem unisono, a jeszcze lepiej w dialogach. Ta płyta to kulminacja niezwykle kreatywnego okresu w historii tego zespołu i jego członków. Album został wydany przez Polskie Nagrania w ekskluzywnej reedycji kultowej serii Polish Jazz, znanej fanom polskiej muzyki jazzowej od lat 60. Płyta dostępna jest na CD i LP. Lista utworów: Side A 1. Bengal 2. Spokój Side B 1. Lato 2. Seresta 3. Theme

Płyta Sekstetu Andrzeja Trzaskowskiego "Seant" została nagrana w latach 1965-66. Album ten zajmuje bardzo ważne miejsce w serii Polish Jazz, w której ukazał się pod numerem 11 w 1967 roku. W zespole pianisty znaleźli się wówczas Włodzimierz Nahorny, Janusz Muniak (obaj w tym czasie zaledwie 25-letni), Jacek Ostaszewski, Adam Jędrzejowski oraz znakomity trębacz amerykański Ted Curson. "Seant" doskonale ilustruje poziom polskiego jazzu lat 60-tych - prawdziwie złotego okresu tej muzyki. Andrzej Trzaskowski jest, obok Krzysztofa Komedy, jedną z najważniejszych postaci polskiego ruchu jazzowego po wojnie. Pianista, muzykolog, kompozytor, lider, edukator, teoretyk i krytyk, wywarł niekwestionowany wpływ na kilka pokoleń polskich twórców jazzu. "Seant" to ważne ogniwo w kompozytorskim i wykonawczym dorobku kompozytora i pianisty. To również dokument ilustrujący rozterki, dylematy twórcze, ale też ogromną determinację tamtego pokolenia, bez którego trudno sobie wyobrazić współczesną, imponującą scenę muzyki jazzowej w naszym kraju. Album został wydany przez Polskie Nagrania w ekskluzywnej reedycji kultowej serii Polish Jazz, znanej fanom polskiej muzyki jazzowej od lat 60. Płyta dostępna jest na CD i LP. Lista utworów: Side A 1. Seant 2. Wariacja na temat "Oj tam u boru" 3. The Quibble Side B 1. Cosinusoida

Takiej edycji płyty Kwintetu Trzaskowskiego jeszcze nie było! Album został wznowiony przez Polskie Nagrania w ekskluzywnej reedycji kultowej serii Polish Jazz, znanej fanom polskiej muzyki jazzowej od lat 60. To pierwsze tak obszerne opracowanie w historii tej znakomitej płyty. Album, przy zachowaniu oryginalnej okładki, został wzbogacony dwujęzyczną książeczką z tekstem Tomasza Szachowskiego. Autorem odświeżonego brzmienia jest wybitny reżyser dźwięku - Jacek Gawłowski. Czwarta płyta serii Polish Jazz z nagraniami Kwintetu Andrzeja Trzaskowskiego jest jedną z najwybitniejszych pozycji zbioru. Nagrana w styczniu 1965 roku, stanowi obok „Astigmatic” Komedy manifest twórczy dla jazzu polskiego tamtych lat, a wpływu jej autora na rozwój tego gatunku muzyki w Polsce nie sposób przecenić. Wiernie oddaje kunszt kompozytorski lidera, jego styl improwizacyjny i charakterystyczną poetykę utworów. Wielką wartością płyty są partie solowe członków kwintetu. Błyskotliwy Tomasz Stańko, grający wówczas bardziej otwartym i pełnym dźwiękiem niż obecnie, poszukujący Janusz Muniak, rozdarty między tradycją a jazzem free. Subtelna, zniuansowana, uważnie słuchająca lidera sekcja Jacek Ostaszewski - Adam Jędrzejowski podkreśla jazzowy charakter całości. No i pianistyka Andrzeja Trzaskowskiego, którą tak naprawdę odkrywamy na nowo po latach! Z jednej strony precyzyjna realizacja własnego zapisu partytury, z drugiej zrównoważone, swingujące partie solowe. Trzaskowski umiał łączyć odległe estetyki i adaptować je dla potrzeb własnych kompozycji, które cechował niepowtarzalny styl, stając się z czasem znakiem rozpoznawczym polskiej szkoły jazzu. I na tym m.in. polegała jego wielkość. Płyta dostępna jest również w wersji analogowej.

Limitowana, kolorowa reedycja „Vol. 73” serii Polish Jazz – „Sounds and Colours” Jarosława Śmietany na białym krążku z czarnymi rozbryzgami i komentarzem Tomasza Szachowskiego na wewnętrznej kopercie. Jarosław Śmietana był niewątpliwie jedną z najważniejszych postaci polskiej sceny jazzu ostatnich kilku dekad. Był artystą nadzwyczaj otwartym na odbiorców. Pełen temperamentu, tryskający pomysłami, zarażający energią swoich muzycznych partnerów, zawsze dbał o komunikatywność przekazu i o to, by słuchacze jego koncertów współtworzyli wydarzenie. Album „Sounds and Colours”, nagrany w 1987 roku, niejako podsumowuje doświadczenia Extra Ballu – zespołu, który był swego rodzaju wizytówką młodego pokolenia jazzmanów lat 70-tych. Grupa istniała równo 10 lat, do roku 1984 i pozostawiła po sobie sześć płyt, które dokumentują drogę rozwoju Śmietany zarówno gdy idzie o warsztat gitarowy, jak i kompozytorski. W pomysłach stylistycznych „Sounds and Colours” idzie jednak znacznie dalej, czerpiąc z modnych wówczas, zwłaszcza w USA, nurtów określanych ogólnie jako „easy listening jazz” czy (to już wynalazek współczesności) „smooth jazz”. Kolorystyczne dodatki, realizowane przez Jarosława Śmietanę, Piotra Barona i Antoniego Dębskiego, nadają całości rys szlachetności i powodują, że mimo wielu lat, jakie minęły od daty nagrania, album broni się znakomicie. Do posłuchania dla wszystkich. Dużo ciepła i pozytywnej energii. Prawdziwy jazz! I do tego jaki kolorowy… Muzycy: Jacek Pelc • Premier drums, Paiste cymbals, percussions Antoni Dębski • Fender bass, synthesizer Piotr Baron • Selmer Mark VII tenor saxophone, soprano, clarinet, keyboards Jarosław Śmietana • electric guitar (made by W. Długosz), acoustic Fender guitar, keyboards, voices Lista utworów: Side A 1. Sounds And Colours 2. Okapi, Pekari, Karibu 3. Flashing Dance Side B 1. Every Day Niagara 2. Turtle Song 3. Days Of Wine And Roses 4. Try To Make It Better

Reedycja vol. 73 serii Polish Jazz – „Sounds and Colours” Jarosława Śmietany, który był niewątpliwie jedną z najważniejszych postaci polskiej sceny jazzu ostatnich kilku dekad. Był artystą nadzwyczaj otwartym na odbiorców. Pełen temperamentu, tryskający pomysłami, zarażający energią swoich muzycznych partnerów, zawsze dbał o komunikatywność przekazu i o to, by słuchacze jego koncertów współtworzyli wydarzenie. Album „Sounds and Colours”, nagrany w 1987 roku, niejako podsumowuje doświadczenia Extra Ballu – zespołu, który był swego rodzaju wizytówką młodego pokolenia jazzmanów lat 70-tych. Grupa istniała równo 10 lat, do roku 1984 i pozostawiła po sobie sześć płyt, które dokumentują drogę rozwoju Śmietany zarówno gdy idzie o warsztat gitarowy, jak i kompozytorski. W pomysłach stylistycznych „Sounds and Colours” idzie jednak znacznie dalej, czerpiąc z modnych wówczas, zwłaszcza w USA, nurtów określanych ogólnie jako „easy listening jazz” czy (to już wynalazek współczesności) „smooth jazz”. Kolorystyczne dodatki, realizowane przez Jarosława Śmietanę, Piotra Barona i Antoniego Dębskiego, nadają całości rys szlachetności i powodują, że mimo wielu lat, jakie minęły od daty nagrania, album broni się znakomicie. Do posłuchania dla wszystkich. Dużo ciepła i pozytywnej energii. Prawdziwy jazz! Album ukazał się także w wersji limitowanego, kolorowego winyla na białym krążku z czarnymi rozbryzgami i komentarzem Tomasza Szachowskiego na wewnętrznej kopercie. Muzycy: Jacek Pelc • Premier drums, Paiste cymbals, percussions Antoni Dębski • Fender bass, synthesizer Piotr Baron • Selmer Mark VII tenor saxophone, soprano, clarinet, keyboards Jarosław Śmietana • electric guitar (made by W. Długosz), acoustic Fender guitar, keyboards, voices

Album zespołu Spisek Sześciu "Complot of Six" został wznowiony przez Polskie Nagrania w ekskluzywnej reedycji kultowej serii Polish Jazz, znanej fanom polskiej muzyki jazzowej od lat 60. Reedycję przygotowano z niezwykłą starannością, autorem odświeżonego brzmienia jest wybitny reżyser dźwięku - Jacek Gawłowski. Płyty zostały wytłoczone gramaturze 180. Płyta została nagrana w marcu 1975 roku - "w studiu na żywo", czyli tak jak na koncercie, wszystkie ścieżki na raz, od pierwszej sekundy do ostatniego taktu, bez studyjnych poprawek i nakładek. I wtedy i teraz to chyba najbardziej oryginalna i adekwatna w serii Polish Jazz i całej polskiej dyskografii odpowiedź na wyzwania jazzu wczesnych lat 70. Wiele się dzieje na tej płycie i nic nie dzieje się przypadkowo, więc trzeba jej słuchać uważnie. I wciąż warto, po ponad czterdziestu latach od jej nagrania. Świetna płyta! Warta ponownego odkrycia, jedyna płyta zespołu Spisek Sześciu. Lista utworów: Side A 1. Wizje (Na krawędzi, Pojedynek, Modlitwa) Side B 1. Amorphous 2. Pieprzem i solą / With Salt And Pepper 3. Epitaphium

Płyta „Music 81” jest dokumentem wyjątkowym w dyskografii Tomasz Stańki. Powstała w okresie poważnych napięć w kraju, niepewności jutra i w chwili osobistych rozterek emocjonalnych artysty. Również dlatego, że jest to bodaj jedyne studyjne spotkanie z pianistą Sławomirem Kulpowiczem, którego Stańko poznał podczas wyprawy do Indii w 1980 roku (ukazała się również koncertowa płyta w tym składzie „A i J”). Stańko z Bartkowskim grał jeszcze w 1963 roku w Kwintecie Komedy, ale dwaj pozostali – jak wspominał trębacz – „to już była generacja moich fanów”. Mamy tu pięć kompozycji lidera, nagranych w kwietniu 1982 roku (zatem symboliczne znaczenie ma tu data „81” w tytule!). To, co zaskakuje praktycznie od pierwszych chwil, to zwrot w stronę timingu mainstreamowego, myślenia „groove’owego”, oczywiście w ujęciu Stańkowym, czyli z pełnym arsenałem jego freejazzowych środków wyrazu. „Music 81” to płyta, która warta jest ponownego odkrycia. Tomasz Stańko pokazuje, jak zdeklarowany free-jazzman, partner mistrzów gatunku – Cecila Taylora, Dona Cherry’ego, Johna Surmana czy Edwarda Vesali, potrafi grać wspaniale rozswingowany straight-ahead jazz i łączyć go z wyjątkową przestrzenią wolności, jaką daje free jazz. Lista utworów: Side A 1. Alusta 2. Daada Side B 1. Bushka 2. Third Heavy Ballad 3. Ahuha

Takiej edycji płyty „TWET” Tomasza Stańki jeszcze nie było! Album został wznowiony przez Polskie Nagrania w ekskluzywnej reedycji kultowej serii Polish Jazz, znanej fanom polskiej muzyki jazzowej od lat 60. To pierwsze tak obszerne opracowanie w historii tej znakomitej płyty. Album, przy zachowaniu oryginalnej okładki, został wzbogacony obszerną, dwujęzyczną książeczką z tekstem Tomasza Tłuczkiewicza. Autorem odświeżonego brzmienia jest wybitny reżyser dźwięku - Jacek Gawłowski. TWET to czwarta płyta w dyskografii Tomasza Stańki. Trzecia studyjna i trzecia, na której jest liderem. Nagrana w kwietniu 1974 i wydana w tym samym roku przez Polskie Nagrania jako Nr 39 serii „Polish Jazz”. Afirmacja kreatywnego żywiołu wolności - free jazz sensu stricte. Dla wielu najlepsza płyta Stańki. Stańko: „To była prekursorska płyta, bez niej nie byłoby słynnej „Balladyny”, choć „Balladyna” była już napisana i zupełnie inna. Czegoś takiego jak „TWET” nie da się powtórzyć, taką płytę nagrywa się tylko raz.” Album dostępny jest również w wersji analogowej.

Edycja płyty „TWET” powinna znaleźć się w zbiorach muzycznych każdego fana Tomasza Stańko i polskiego jazzu. Album został wznowiony w ramach kultowej serii „Polish Jazz” przez Polskie Nagrania. Reedycję płyty przygotowano z niezwykłą starannością, autorem odświeżonego brzmienia jest wybitny reżyser dźwięku - Jacek Gawłowski. Płyty zostały wytłoczone gramaturze 180. „TWET” to czwarta płyta w dyskografii Tomasza Stańki. Trzecia studyjna i trzecia, na której jest liderem. Nagrana w kwietniu 1974 i wydana w tym samym roku przez Polskie Nagrania jako Nr 39 serii „Polish Jazz”. Afirmacja kreatywnego żywiołu wolności - free jazz sensu stricte. Dla wielu najlepsza płyta Stańki. Stańko: „To była prekursorska płyta, bez niej nie byłoby słynnej „Balladyny”, choć „Balladyna” była już napisana i zupełnie inna. Czegoś takiego jak „TWET” nie da się powtórzyć, taką płytę nagrywa się tylko raz”. Album dostępny jest również na płycie CD. Lista utworów: Side A 1. Dark Awakening 2. TWET Side B 1. Mintuu Maria 2. Man From North 3. Nigh Peace

Album „Music for K” został wznowiony przez Polskie Nagrania w ekskluzywnej reedycji kultowej serii Polish Jazz, znanej fanom polskiej muzyki jazzowej od lat 60. To pierwsze tak obszerne opracowanie w historii tej znakomitej płyty. Album, przy zachowaniu oryginalnej okładki, został wzbogacony dwujęzyczną książeczką z tekstem Tomasza Tłuczkiewicza. Autorem odświeżonego brzmienia jest wybitny reżyser dźwięku - Jacek Gawłowski. Album „Music For K”, został nagrany w styczniu 1970 roku i wydany w tym samym roku pod numerem 22 w serii Polish Jazz, jest czwartą z sześciu z udziałem Tomasza Stańki, to jego w pełni autorska płyta. „Music for K”, to elegia na śmierć bandleadera, mistrza i przyjaciela - Krzysztofa Komedy. Jest to pierwsza z trzech płyt Kwintetu Tomasza Stańki, a tym samym jego płytowy debiut jako lidera. Był to jeden z najwspanialszych zespołów w historii jazzu w Polsce. Quintet wniósł znaczący wkład w rozwój nowoczesnej muzyki jazzowej w Europie, na jego czele Stańko dołączył do elity europejskiej awangardy jazzowej, w jego składzie debiutował na wielkiej scenie Zbigniew Seifert. Krytycy magazynu „Jazz Forum” w ankiecie na jubileusz 50-lecia pisma uznali „Music For K” za szósty, a słuchacze Programu II Polskiego Radia w plebiscycie z okazji II Międzynarodowego Dnia jazzu za ósmy, najlepszy polski album jazzowy wszechczasów. Świetna płyta! Warta ponownego odkrycia. Album dostępny jest również w wersji analogowej.

Lista utworów: A1->->Alusta->11:34 A2->->Daada->7:13 B1->->Bushka->5:51 B2->->Third Heavy Ballad->6:47 B3->->Ahuha->8:34 Tomasz Stańko

Album „Music for K” został wznowiony przez Polskie Nagrania w ekskluzywnej reedycji kultowej serii Polish Jazz, znanej fanom polskiej muzyki jazzowej od lat 60. Reedycję przygotowano z niezwykłą starannością, autorem odświeżonego brzmienia jest wybitny reżyser dźwięku - Jacek Gawłowski. Płyty zostały wytłoczone gramaturze 180. Album „Music For K”, został nagrany w styczniu 1970 roku i wydany w tym samym roku pod numerem 22 w serii Polish Jazz, jest czwartą z sześciu z udziałem Tomasza Stańki, to jego w pełni autorska płyta. „Music for K”, to elegia na śmierć bandleadera, mistrza i przyjaciela - Krzysztofa Komedy. Jest to pierwsza z trzech płyt Kwintetu Tomasza Stańki, a tym samym jego płytowy debiut jako lidera. Był to jeden z najwspanialszych zespołów w historii jazzu w Polsce. Quintet wniósł znaczący wkład w rozwój nowoczesnej muzyki jazzowej w Europie, na jego czele Stańko dołączył do elity europejskiej awangardy jazzowej, w jego składzie debiutował na wielkiej scenie Zbigniew Seifert. Krytycy magazynu „Jazz Forum” w ankiecie na jubileusz 50-lecia pisma uznali „Music For K” za szósty, a słuchacze Programu II Polskiego Radia w plebiscycie z okazji II Międzynarodowego Dnia jazzu za ósmy, najlepszy polski album jazzowy wszechczasów. Świetna płyta! Warta ponownego odkrycia. Lista utworów: Side A 1. Czatownik 2. Nieskończenie mały 3. Cry Side B 4. Music for K 5. Temat / Czatownik

„Adam’s Apple” to pierwsza symfoniczna płyta Mateusza Smoczyńskiego – skrzypka, solisty i kompozytora, współzałożyciela Atom String Quartet, na której znajdziemy dwa koncerty skrzypcowe: „Koncert jazzowy na skrzypce, orkiestrę symfoniczną oraz grupę rytmiczną” Zbigniewa Seiferta i koncert na improwizujące skrzypce „Adam’s Apple" skomponowany przez Mateusza Smoczyńskiego. Obydwa koncerty to premiery fonograficzne. Dla miłośników winyla album ukazuje się w wersji na białym winylu o gramaturze 180. „Koncert jazzowy” Seiferta, to dla fanów jazzu niemała sensacja! Nigdy dotąd nie był wydany na żadnym nośniku i po 50 latach doczekał się międzynarodowej premiery fonograficznej. Mateusz Smoczyński zaprosił do wspólnego wykonania tej energetycznej kompozycji polskich mistrzów improwizacji jazzowej: Dominika Wanię, Sławomira Kurkiewicza i Michała Miśkiewicza. Koncert skrzypcowy „Adam's Apple" Mateusza Smoczyńskiego powstał z jego fascynacji twórczością kompozytorów muzyki poważnej takich jak Karol Szymanowski, Dymitr Szostakowicz, Béla Bartók i György Ligeti oraz jazzowej, którzy przez lata wywarli na niego ogromny wpływ: Zbigniew Seifert, John Coltrane, Wayne Shorter oraz David Balakrishnan (z Turtle Island Quartet). Stylistycznie koncert najbardziej nawiązuje do najświeższej inspiracji Mateusza – muzyki amerykańskiego kompozytora Johna Adamsa. „Jabłko Adama” nasuwa też biblijne skojarzenia z historią Adama i Ewy oraz konsekwencjami zjedzenia przez nich zakazanego owocu, co odzwierciedla w swej dramaturgii muzyka. Wykonanie kusi niezwykłą, pastelową barwą barytonowych skrzypiec, pięknem melodyki z nutą minimalizmu, impresjonistycznej sonorystyki, elementami bluegrassu i jazzowych, wirtuozowskich improwizacji. Album „Adam’s Apple” został nagrany z towarzyszeniem Chopin University Chamber Orchestra pod dyrekcją Rafała Janiaka. Jak mówi Artysta: „Od początku mojej muzycznej kariery jestem przez wielu krytyków uznawany za kontynuatora drogi wytyczonej przez Zbigniewa Seiferta. Mimo mojej ogromnej fascynacji jego grą, komponując „Adam's Apple” chciałem pójść w zupełnie innym kierunku i pokazać, na jak odmiennym muzycznym biegunie obecnie jestem". Dwa bieguny, jedna płyta: „Adam’s Apple”. Lista utworów: Side A Mateusz Smoczyński Adam’s Apple Concerto for violin and orchestra (2018) 1. Genesis (5:02) 2. Eden (8:34) 3. Temptation (5:14) 4. Apocalypse (7:04) Side B Zbigniew Seifert (1946–1979) Jazz Concerto for violin, rhythm section, and symphony orchestra (1974) 1. Rubato - Tempo - Ad Libitum - Fast Tempo 1 (9:18) 2. Rubato - Tempo (2:43) 3. Solos - Ad Libitum (5:40) 4. Rubato (2:24) Mateusz Smoczyński Adam’s Apple Concerto for violin and orchestra (2018) 5. Cadenza (2:48) Artists: Mateusz Smoczyński – violin, baritone violin Chopin University Chamber Orchestra Rafał Janiak – conductor Dominik Wania – piano 6–9 Sławomir Kurkiewicz – bass 6–9 Michał Miśkiewicz – drums 6–9

„Adam’s Apple” to pierwsza symfoniczna płyta Mateusza Smoczyńskiego – skrzypka, solisty i kompozytora, współzałożyciela Atom String Quartet, na której znajdziemy dwa koncerty skrzypcowe: „Koncert jazzowy na skrzypce, orkiestrę symfoniczną oraz grupę rytmiczną” Zbigniewa Seiferta i koncert na improwizujące skrzypce „Adam’s Apple" skomponowany przez Mateusza Smoczyńskiego. Obydwa koncerty to premiery fonograficzne. Album wydany jest na nośniku Super Audio CD/Hybryd, co oznacza, że można go odtwarzać we wszystkich odtwarzaczach CD oraz SACD. Wybór nośnika pozwala na odsłuch dźwięku w wysokiej jakości: częstotliwość próbkowania strumienia danych DSD wykorzystywanego na płytach SACD jest 64 razy wyższa niż na płycie audio CD i wynosi 2,824MHz. „Koncert jazzowy” Seiferta, to dla fanów jazzu niemała sensacja! Nigdy dotąd nie był wydany na żadnym nośniku i po 50 latach doczekał się międzynarodowej premiery fonograficznej. Mateusz Smoczyński zaprosił do wspólnego wykonania tej energetycznej kompozycji polskich mistrzów improwizacji jazzowej: Dominika Wanię, Sławomira Kurkiewicza i Michała Miśkiewicza. Koncert skrzypcowy „Adam's Apple" Mateusza Smoczyńskiego powstał z jego fascynacji twórczością kompozytorów muzyki poważnej takich jak Karol Szymanowski, Dymitr Szostakowicz, Béla Bartók i György Ligeti oraz jazzowej, którzy przez lata wywarli na niego ogromny wpływ: Zbigniew Seifert, John Coltrane, Wayne Shorter oraz David Balakrishnan (z Turtle Island Quartet). Stylistycznie koncert najbardziej nawiązuje do najświeższej inspiracji Mateusza – muzyki amerykańskiego kompozytora Johna Adamsa. „Jabłko Adama” nasuwa też biblijne skojarzenia z historią Adama i Ewy oraz konsekwencjami zjedzenia przez nich zakazanego owocu, co odzwierciedla w swej dramaturgii muzyka. Wykonanie kusi niezwykłą, pastelową barwą barytonowych skrzypiec, pięknem melodyki z nutą minimalizmu, impresjonistycznej sonorystyki, elementami bluegrassu i jazzowych, wirtuozowskich improwizacji. Album „Adam’s Apple” został nagrany z towarzyszeniem Chopin University Chamber Orchestra pod dyrekcją Rafała Janiaka. Jak mówi Artysta: „Od początku mojej muzycznej kariery jestem przez wielu krytyków uznawany za kontynuatora drogi wytyczonej przez Zbigniewa Seiferta. Mimo mojej ogromnej fascynacji jego grą, komponując „Adam's Apple” chciałem pójść w zupełnie innym kierunku i pokazać, na jak odmiennym muzycznym biegunie obecnie jestem". Dwa bieguny, jedna płyta: „Adam’s Apple” Lista utworów: Mateusz Smoczyński Adam’s Apple Concerto for violin and orchestra (2018) 1. Genesis (5:02) 2. Eden (8:34) 3. Temptation (5:14) 4. Cadenza (2:48) 5. Apocalypse (7:04) Zbigniew Seifert (1946–1979) Jazz Concerto for violin, rhythm section, and symphony orchestra (1974) 6. Rubato - Tempo - Ad Libitum - Fast Tempo 1 (9:18) 7. Rubato - Tempo (2:43) 8. Solos - Ad Libitum (5:40) 9. Rubato (2:24) Artists: Mateusz Smoczyński – violin, baritone violin Chopin University Chamber Orchestra Rafał Janiak – conductor Dominik Wania – piano 6–9 Sławomir Kurkiewicz – bass 6–9 Michał Miśkiewicz – drums 6–9

Nina Simone Nowo odkryte nagranie legendy jazzu! Niezapomniany występ gwiazdy podczas Newport Jazz Festival w 1966 roku W ramach całorocznych obchodów 90. urodzin Niny Simone, Verve Records i UMe wydają "You've Got To Learn", nowo odkryte nagranie występu Niny podczas Newport Jazz Festival w 1966 roku. Premiera wydawnictwa zaplanowana jest na 21 lipca (Verve Records). 2 lipca 1966 roku podczas Newport Jazz Festival legendarna Nina Simone zaprezentowała na scenie set, składający się z sześciu utworów, który na ponad pół wieku pozostał w pamięci miłośników muzyki. Teraz świat może usłyszeć nieznane i niepublikowane wcześniej nagranie tego niezapomnianego koncertu. Wydawnictwo oddaje wiernie atmosferę występu Simone na festiwalu, ukazując jej niesamowity zakres wokalny i wyjątkową umiejętność nawiązywania kontaktu z publicznością. Słuchając nagrania, łatwo zrozumieć, dlaczego koncert stał się kultowym i wyjątkowym wydarzeniem w historii muzyki. Rozpoczynając od hipnotyzującego wykonania utworu „You've Got To Learn”, Simone zaprezentowała swój kunszt wokalny, wykonując min. elektryzujące i swingujące „Mississippi Goddam”. Publiczność, nie chcąc pozwolić jej opuścić sceny, zgotowała jej owację na stojąco i została nagrodzona niezapomnianym bisem – „Music For Lovers”. Eseje do albumu zostały stworzone przez Shanę L. Redmond, szanowaną autorkę i badaczkę, która obszernie napisała o życiu i dziedzictwie Simone. Jej notatki stanowią cenny kontekst dla występu i pomagają słuchaczom zrozumieć historyczne znaczenie muzyki Simone. Wydanie niniejszego albumu to doniosłe wydarzenie dla melomanów i fanów Niny Simone na całym świecie. To rzadka okazja, by doświadczyć magii występów jednej z najwybitniejszych wokalistek XX wieku. Lista utworów: 1. You’ve Got To Learn 2. I Loves You, Porgy 3. Blues For Mama 4. Be My Husband 5. Mississippi Goddam 6. Music For Lovers

Ghost Song wydany przez Nonesuch Records to debiut wokalistki / autorki tekstów Cécile McLorin Salvant. Ghost Song to zróżnicowana mieszanka siedmiu oryginałów i pięciu interpretacji na temat duchów, nostalgii i tęsknoty. Cécile McLorin Salvant, stypendystka MacArthura 2020 i trzykrotna laureatka nagrody Grammy, jest wokalistką i kompozytorką wnoszącą historyczną perspektywę, odnowione poczucie dramatyzmu i oświecone muzyczne zrozumienie zarówno do standardów jazzowych, jak i własnych oryginalnych kompozycji. Wykształcona klasycznie, zanurzona w jazzie, bluesie i folku, czerpiąca z teatru muzycznego i wodewilu, Salvant korzysta z szerokiego repertuaru, który poszerza możliwości występów na żywo. Występy Salvant sięgają od wolnych duetów na głos i fortepian, przez tria instrumentalne, po zespoły orkiestrowe. Lista utworów: 1. Wuthering Heights 2. Optimistic Voices / No Love Dying 3. Ghost Song 4. Obligation 5. Until 6. I Lost My Mind 7. Moon Song 8. Trail Mix 9. The World Is Mean 10. Dead Poplar 11. Thunderclouds 12. Unquiet Grave

Cécile McLorin Salvant to amerykańska wokalistka jazzowa. W 2010 roku została laureatką pierwszej nagrody Thelonious Monk International Jazz Competition, a wkrótce potem wydała swój pierwszy album, Cécile. Jej drugi album, Woman Child, ukazał się w 2013 roku i rok później został nominowany do nagrody Grammy za najlepszy jazzowy album wokalny. Salvant wygrała cztery kategorie w 2014 DownBeat Critics' Poll: jazzowy album roku, żeńska wokalistka, wschodząca gwiazda jazzu i wschodząca gwiazda żeńskiej wokalistyki. Jej trzeci album, 2015's For One to Love, otrzymał wielkie uznanie krytyków z The New York Times, The Guardian i Los Angeles Times. Przyniósł jej nagrodę Grammy za najlepszy jazzowy album wokalny w 2016. Większość utworów zawartych na nowej płycie amerykańska wokalistka jazzowa śpiewa po francusku. Wśród nich jest pięć oryginalnych kompozycji i dziewięć reinterpretacji. Lista utworów: 1. Est-ce ainsi que les hommes vivent? 2. La route enchantée 3. Il m'a vue nue 4. Dites moi que je suis belle 5. Doudou 6. Petite musique terrienne 7. Aida 8. Mélusine 9. Wedo 10. D'un feu secret 11. Le temps est assassin 12. Fenestra 13. Domna N'Almucs 14. Dame Iseut

Ghost Song wydany przez Nonesuch Records to debiut wokalistki / autorki tekstów Cécile McLorin Salvant. Ghost Song to zróżnicowana mieszanka siedmiu oryginałów i pięciu interpretacji na temat duchów, nostalgii i tęsknoty. Cécile McLorin Salvant, stypendystka MacArthura 2020 i trzykrotna laureatka nagrody Grammy, jest wokalistką i kompozytorką wnoszącą historyczną perspektywę, odnowione poczucie dramatyzmu i oświecone muzyczne zrozumienie zarówno do standardów jazzowych, jak i własnych oryginalnych kompozycji. Wykształcona klasycznie, zanurzona w jazzie, bluesie i folku, czerpiąca z teatru muzycznego i wodewilu, Salvant korzysta z szerokiego repertuaru, który poszerza możliwości występów na żywo. Występy Salvant sięgają od wolnych duetów na głos i fortepian, przez tria instrumentalne, po zespoły orkiestrowe.

Członkowie legendarnego, oryginalnego kwartetu ‘Joshua Redman Quartet’ z lat dziewięćdziesiątych - Redman (saksofon), Brad Mehldau (fortepian), Christian McBride (bas) i Brian Blade (perkusja) - zjednoczyli się ponownie po dwudziestu sześciu latach na wydanym w 2020 roku RoundAgain. Teraz powracają z LongGone, zawierającym sześć oryginalnych utworów Redmana, wydanym przez Nonesuch Records. Lista utworów: 1. Long Gone 2. Disco Ears 3. Statuesque 4. Kite Song 5. Ship To Shore 6. Rejoice